BEST ALBUMS OF 2008

ANNUAL MUSIC CHART 60 ALBUMS OF 2008

1. Oracular Spectacular - MGMT: La gran revelacion del año, MGMT (antes conocidos como "The Management") es un dúo estadounidense formado por Ben Goldwasser y Andrew VanWyngarden. La banda se formó en el año 2002 y debutaron profesionalmente en 2007 con el álbum Oracular Spectacular. Este EP data del 2005, pero debido al éxito mediático de MGMT en la escena musical lo volvieron a reeditar. La banda inicio en 2002 cuando Andrew VanWyngarden y Ben Goldwasser se conocieron en Wesleyan University, Connecticut para formar una banda bajo el termino de crear música pop no convencional apoyados de guitarra eléctrica, bajo, sintetizadores y base de secuencias. Después de un par de tocadas donde la experimentación era lo que prevalecía se toparon con un grupo de fans de la NYU que estaban formando una disquera independiente les propusieron grabar su primer EP, Time to Pretend conformado por 6 canciones de las cuales 4 no aparecen en su disco debut al igual este EP esta librado de la mano de Dave Fridman, gutarrista de Mercury Rev, que los guío como productor para su Oracular Spectacular y quien también a trabajado con los Flaming Lips y Café Tacvba, entre otros.

El primer single extraído del trabajo, "Time to Pretend" consiguió un gran éxito en las listas estadounidenses y británicas, especialmente, y critica los tópicos de las estrellas de rock con sus desfases habituales tales como modelos, drogas y muerte entre vómitos.1 Por su parte, "Electric Feel", el segundo single del disco, también logró grandes críticas y éxitos, mejorando incluso los números de la banda en las listas británicas con "Time to Pretend". La web Pitchfork Media comparó a MGMT con Muse y Mew, pero con un sonido británico de comienzos de los 90.2 Con respecto a las comparaciones con otras bandas y al géneros en que se definen el dúo de MGMT, Ben Goldwasser aseguró que sus intenciones fueron "escoger un género como el pop psicodélico y que en el álbum trabajásemos exclusivamente en él. Había muchas cosas con las que queríamos experimentar, pero no había nada planeado ni es éste un gran disco conceptual o algo así.

En este EP mantienen esa frescura llena de noise pop mezclado con un lo-fi de sintetizadores queda plasmado en “Destrokk” o en “Boogie Down” te invitan a bailar y mover las piecitos cosa que el debut se pierde un poco. “Indie Rokkers” es la rola con un sonido mas ligero, y hasta cierto punto pop melódico. Cuenta con dos se sus mejores temas en su carrera el hit “Time to Pretend” que tiene toda la esencia de la versión final, solo que el ritmo es mas pausado y sin una mezcla de alta calidad. Al igual que “Kids” donde ellos tratan de plasmar ese momento que estaban viviendo en 2005 de los estudiantes de la universidad con un espíritu ingenuo, idealista, felicidad en vueltos en un halo de nostalgia y tristeza. Sin duda el EP es mas cálido que su debut que merece ser revisado. Oracular Espectacular es demasiado grandioso ,épica, como psicodélico, alucinante una mezcla entre pop, Funk, el rock y el alma. Talentosos, pero, ¿un nuevo "hype"?. Eso solo el tiempo lo dira. Los jovenes están a la vanguardia del romanticismo post moderno que juega con nosotros.

2. Fleet Foxes - Fleet Foxes: Fleet Foxes es una banda estadounidense de Indie folk formada en 2006 en Seattle, Washington, bajo los sellos discográficos Sub Pop y Bella Unión (para toda Europa). Saltaron a la fama en 2008 tras el lanzamiento del EP Sun Giant y el álbum Fleet Foxes. Ambos recibieron elogios por parte de la crítica, destacando sus curiosas armonías vocales y sus letras. El quinteto describe su música como "baroque harmonic pop jams". Los medios internacionales han coincidido a finales de 2008 en calificar a The Fleet Foxes como una de las bandas revelación del año. Cinco jóvenes de Seattle (Washington), con menos de 25 años, que mezclan en su primer disco el gospel y el pop folk con una aguzada sensibilidad para las voces y los arreglos instrumentales.

Las historias que se cantan en ‘Fleet Foxes‘ son sencillas, sobre la vida (’He doesn’t know why‘) y la muerte (’Your protector‘). La sensibilidad por encima de todo: “Para mí el ambiente y la naturaleza no conectan directamente con la composición de una canción. Es cierto que describe bosques, lugares misteriosos que recuerdan a la naturaleza de Seattle, y eso llega a la gente cuando lo escucha. Pero para mí, lo más destacable de las composiciones de Fleet Foxes es la sensibilidad que tienen”, afirma Joshua Tillman, el batería del grupo.
Hay temas celestiales como ‘White winter hymnal‘ que valen por todo el disco. También los hay para mover los pies y silbar como ‘Blue ridge mountains‘. Otra maravilla es ‘Heard them stirring‘ en la que no hay letra y se limitan a utilizar sonidos vocales como un instrumento más.

3. Viva la vida or death and all His friends - Coldplay: Aires de revolución. La pintura de Delacroix es el primer aviso de lo que pretende ser Viva la vida or death and all his friends, un disco mucho más experimental que sus predecesores. Sin embargo lo más asombroso es que a la vez es un trabajo accesible. Coldplay ha perdido la intimidad de sus anteriores discos y suenan más comerciales, pero sin que eso sea un lastre. Eso sí, Chris Martin y compañía se van ganando a pulso las comparaciones con U2.

Su música ha ganado en texturas. El disco comienza con la instrumental Life In Technicolor -segundo aviso-, y le siguen Cemeteries of London y Lost!, dos temas de ritmo marcados y con cierto aire étnico que suenan a rock de grandes escenarios. 42 es la vuelta a los primeros Coldplay, por momentos más cercanos. Lovers in Japan-Reign of Love es un muro de ruido, siempre contenido, tras el que se esconde una pegadiza frase de piano y Yes un folk experimental con final 100% postrock. Viva la vida -el tema que da nombre al disco- es puro pop, quizás de lo más comercial, y Violet Hill el prototipo del poprock clásico, mientras que en Strawberry Swing se vuelve a repetir la fórmula magistral de este disco: tonadilla pop sobre un fondo más o menos experimental, pero sin que llegue a molestar. Como colofón final, otro tema épico, Death and All His Friends.

Estamos ante una banda que ha alcanzado un nivel de madurez excepcional, alejada de sus lúgubres y exquisitos inicios y de las fórmulas que los hicieran famosos con singles como los de “A rush of blood to the Head” o el comercial “X&Y”. Si bien el single “Violet Hill” sirve como anzuelo, el disco está a años luz de ser sonar tan simplón. Es más, se necesita varias escuchas para poder recién comenzar a masticarlo y mucho más, para digerirlo. Los chicos dejaron de lado las lamentaciones y los tormentos. En cambio optan por un escenario más optimista, más calido, probablemente producto de la gira Latinoamericana. Y son estos cambios los que han llevado a la prensa a elogiarlos, aplaudiendo su evolución y atrevimiento. El gran mérito de Viva la vida or death and all his friends, y de Coldplay -que ha contado con la ayuda en la producción de Brian Eno- es que han conseguido hacer un disco sin repetir excesivamente las fórmulas del pasado. Toda evolución siempre es positiva. Entonces sólo queda decir: ¡Viva la revolución!. Y ademas el merito de que Viva la vida sea la cancion con mas popularidad de todo el 2008 y que sea un muy buen tema. (LINK)

4. Third - Portishead: En 1998 Portishead eran sinónimo de trip hop, sintetizando una nueva corriente musical y cultural. Tras el debut fulgurante de 'Dummy', la banda se permitió un parón de tres años para grabar la secuela 'Portishead', sorprendiendo a una crítica y un público que esperaban una continuación del collage de samples. En 2008 Portishead no es sinónimo de trip hop. 'Third es un trabajo visceral, nacido del sufrimiento de una banda resuelta a reinventarse. El sonido gira hacia una electrónica más cruda y primaria, oscura, austera y con tintes industriales, que no deja indiferente al oyente.

Sobradas rezones para estar triste fue hace diez años cuando el mundo escuchó a Portishead tocar por última vez. El trío británico de trip-hop hoy suena como si no hubiesen pasado los últimos años en sesiones de terapia, escuchando nueva música o haciendo nuevos amigos; en realidad parece como si hubiera estado encerrado y sumergido en la costa de Bristol escuchando las bandas sonoras orquestales de las películas de horror de Dario Argento. ¿Algún problema? De ninguna manera: nadie le ha prestado atención a los Portishead por sus personalidades carismáticas o su variedad musical, sino por su brillante y obsesiva labor en el estudio.

Y, en ese sentido, Third funciona como un regreso inesperado e impresionante. Aunque Beth Gibbons mantiene su vibrato agudo, su voz parece ser sólo un efecto de sonido más en el show del terror que construyen Geoff Barrow y Adrian Utley. "We Carry On" es un devastador y claustrofóbico electroriff de dos notas, con fuertes ecos de "Oscillations" de Silver Apples. En "The Rip", "Small" y "Machine Gun", Portishead mezcla dub, ritmos sincopados y órganos de catedral, con zumbidos de Marruecos y hasta con surf rock. Y entregan un álbum para escuchar con auriculares en tiempos amargos. (LINK)

Quizá la agonizante espera del tercer album mostraba cierto miedo por parte de los fans al estancamiento; sin embargo llenando expectativas en 2008 "Third" percibe nuevos sonidos psicodélicos y bellamente abusados de efectos minimalistas, incluso el rock hace aparición en canciones como We Carry On, el intenso drum´n bass en Machine Gun ó el trip-hop con tonos jungle de "Hunter". En lo personal uno de los mejores discos de la banda, album preciso y diferente, rompiendo límites en la música actual.

5. Vampire Weekend - Vampire Weekend: A pesar de que su música encaja a la perfección dentro del patrón de indie-rock anglosajón, destaca por la calidez de los instrumentos y en especial por las texturas soleadas de los teclados y una base rítmica que mira hacia el Caribe y África. Este debut se diferencia de su autoeditado cd-r anterior en la inclusión de un par de temas nuevos, menos interesantes, y en un sonido solamente un poco más pulido, lo suficiente para no perder el toque de espontaneidad. Es posible ver detrás de su apertura estilística la fascinación, propia de un turista diletante (recordemos que fueron estudiantes en la universidad de Columbia, una de las más elitistas de EE UU), por una idea simplificada y superficial del pop africano, que sólo atiende a su exótico colorido. Eso sí, ellos parecen ser conscientes de su resbaladiza posición o, al menos, eso apuntan en el estribillo de “Cape Cod Kwassa Kwassa”. ¿Qué nos ofrecen finalmente? Una muy estimable colección de canciones pop. El comienzo del disco, con “Mansard Roof”, “Oxford Comma” y “A-Punk” es de quitarse el sombrero.(LINK)

6. Hercules & Love Affair - Hercules & Love Affair: Un clásico mas alla de los tiempo. son un genuino producto del underground neoyorquino. Sólo en la subterránea escena de los clubes de la ciudad un músico veinteañero llegado de Denver (Andy Butler) podría haber reunido para su proyecto a una enigmática cantante transexual (Nomi), a una diseñadora de joyas y dj lesbiana hawaiana (Kim Ann Foxmann), y a Antony Hegarty, cantante gay con voz de Nina Simone y aspecto entre Divine y Falete, también conocido como cabeza visible de Antony and The Johnsons. La polisexual formación, que uno imagina forjada en antros de moralidad relajada como el de la película Shortbus, se beneficia de las muy especiales personalidades de cada miembro. Suman doble, eso sí, la voz y la sensibilidad única de Antony, y el sorprendente talento de Butler, que se revela como el desconocido que la música electrónica de baile necesitaba para volver a brillar tras años de predominio del rock. Con las enseñanzas de los pioneros de aquella época instaladas en su disco duro, Hercules and Love Affair practica el equilibrio entre el espíritu hedonista y la querencia por transmitir sentimientos complejos y sinceros. Quieren divertir, pero no cargan las tintas en la ironía y el petardeo como unos Scissor Sisters; buscan algo más que el puro entretenimiento, pero no adoptan las poses arty de The Rapture y otras bandas del dance-punk de la Gran Manzana. (LINK) El principal diferencial del disco de Hercules & Love Affair lo pone la voz de Antony. Música petarda interpretada con intensidad emocional. Frivolidad con sentimiento.

7. Dear Science - TV on the Radio: Su nuevo álbum destruye de un plumazo cualquier prevención que pudiera haber ante las veleidades vanguardistas del grupo. Es tal la explosión de ideas que contiene este disco, y tal la facilidad con la que se concretan en canciones con cara y ojos, que uno no puede más que dejarse arrastrar por él. Más funk que punk, Dear science es un desfile de temas que deslumbran por sus constantes mutaciones rítmicas y melódicas. El disco abre con Halfway home, que mezcla a Joy Division y los Beach Boys y Peter Gabriel, y continúa con el soul setentero teñido de afro de Crying y el hip-hop futurista de Dancing choose. Golden age comienza evocando a unos Nine Inch Nails sin claustrofobia y acaba en un éxtasis psicodélico, mientras que Love dog introduce la melancolía y la ternura en el registro del álbum. Shout me out inventa el drum and bassguitarrero, y DLZ logra que el trip-hop vuelva a ser excitante y amenazador 15 años después. (LINK)

Dear Science es un disco que sorprende por lo bueno y por eso fue considerado por la crítica especializada como uno de los mejores del 2008. Es su tercer álbum y es el mejor que han realizado en su no muy prolongada carrera. El álbum en sí es cuenta con el sonido experimental y electrónico antes descripto. Es un disco con canciones muy parejas que hacen fácil su escucha. Son canciones que parecen conectarse y que al mismo tiempo pueden variar. Porque aparecen temas un poco más lentos como Family Tree y otros con mayor fuerza como Halfway Home. Como Dear Science es muy homogéneo y sólido al mismo tiempo, lo que cuesta es identificar un claro hit. Por eso puede resultar necesario escuchar el disco varias veces para descubrir sus clásicos. Igualmente que entre los más destacados se encuentran Halfway Home y Golden Age.

8. For Emma, Forever Ago - Bon Iver: Es un estilo que en los últimos años se ha puesto muy de moda: guitarras acústicas, letras melancólicas y una voz casi llorosa. El nuevo folk está en todas partes y esta proliferación de cantautores del género hace que algunas veces nos encontremos ante productos realmente desechables. No es el caso de Bon Iver, el nombre tras el que se ampara Justin Vernon.

Su timbre vocal es distintivo. Camina entre el de TV on the Radio (en cómo es) y el de Antony el de los Johnsons (en cómo lo usa), pero la apariencia en disco es espectral porque las capas y capas sugieren el corazón de una cebolla. Dos metáforas en una, quizás. Las letras, alguna veleidad autocompasiva aparte, acompañan con naturalidad el tono confesional, melancólico, de pérdida. Se supone que una novia le dejó al chico (la tal Emma), pero no me gusta pensar en ese tipo de coartadas. El disco, corto, directo, tembloroso, frágil, abruma por el milagroso equilibrio entre armonías, ritmos, texturas y atmósferas, todas ellas sutiles, artesanales, procesionales, emocionantes al fin. Música bella hecha con las manos

'For Emma, Forever Ago' es uno de esos discos que nunca te cansarías de escuchar en la soledad de tu habitación. Cortes como 'Flume', 'The Wolves (Act I and II)' o 'Re: Stacks' estremecen como pocos. No es para menos, el cantautor comenzó a gestar el que sería su proyecto lo-fi en una cabaña alejada del mundanal ruido tras la separación de su banda y que su novia le abandonase.

9. Narrow Stairs - Death Cab for Cutie: Narrow Stairs, su último álbum y segunda grabación con una disquera más comercial, demuestra que los reproches estaban equivocados. Si Death Cab hubiera querido defraudar sus raíces, Narrow Stairs sonaría a lo mismo de antes, lo que aseguraría las ventas. Pero en el nuevo disco Death Cab juega con su sonido, con el que la banda es fiel a su crecimiento musical y su inspiración —a donde sea que ésta los lleve—. Mientras Plans era un disco que ibaa lo seguro para debutar en una disquera grande, en Narrow Stairs se han enfocado en producir buenas canciones y en arriesgarse —valores muy respetados en el movimiento de la música independiente.

Aunque la voz melódica de Gibbard y sus letras sobre relaciones y rompimientos —tanto en canciones uptempo como lentas— siguen ahí, la banda logró sumar algo nuevo a la mezcla. Sin perder su ya característico sonido pulido, ahora hay un tinte experimental, arriesgado y más oscuro. El primer sencillo, “I Will Possess your Heart”, es una canción de ocho minutos y medio. La primera mitad es sólo instrumental con fuertes sonidos de bajo. Cuando por fin se escucha la voz de Gibbard, la letra es igualmente oscura: la historia de un acosador. Las percusiones de “Pity and Fear” le dan un sonido de música de Medio Oriente. Pero en el disco también hay canciones pegajosas y melódicas para calmar a los fans. Aunque Death Cab for Cutie no es muy conocido en Latinoamérica, Narrow Stairs es un buen álbum para iniciarse en la música de esta banda que, aunque producida por una disquera meramente comercial, sigue haciendo música a lo indie. (LINK)

10. Santogold - Santogold: A la primera escucha, uno cree oír a Gwen Steffani, sobre todo en el peculiar sencillo rock-ska-dub You’ll find the way. Luego viene la combativa post-rock & synth L.E.S. Artistes, en la que el timbre vocal parece emular a Siouxie Sioux. Es con la canción Creator, un dancehall de beats rudos, que se le puede confundir con M.I.A. Mas cuando se oye completo el disco homónimo de la compositora, productora, cantante y rapper Santi White, mejor conocida como Santogold, las cosas cobran otro sentido.

Nacida en Philadelphia, pero avecindada en Brooklyn, White aparece este 2008 cual novel artista, aunque ya lleva sus años roqueando, primero como vocalista de la banda punk-rock-ska Stiffed, luego como A&R de la disquera Epic, más tarde como escritora y productora para el cantante Res, y recientemente como compositora para las intérpretes Lily Allen y Ashlee Simpson. Lo curioso es que en su disco solista, acompañada por el guitarrista y coproductor John Hills (ex Stiffed), aunque esta negraza sostiene el pop en sus estructuras y riffs, no se va por lo fácil; lejos de ello, crea un álbum cercano a la propuesta de M.I.A., no en cuanto a sonido, sino a transgredir géneros: hip-hop, punk, dub, new-wave, synth-pop, conviven animosamente, ya sea con temas bailables o con tonadas oscuras y melancólicas, entre distorsiones someras, hipnóticas atmósferas, atasques análogos y rebotes digitales. Eso sí: rechaza que la cataloguen como rhythm & blues: “Odio que me encasillen en el R&B sólo porque soy negra. De hecho, se escandalizan si digo que me caga el R&B. A nadie le sorprende que Good Charlotte (pop blanco) odie el R&B, ¿o sí? Eso es racismo”. Y justo para distanciarse de las clasificaciones, ha abierto escena a artistas tan disímiles como Björk y Architecture in Helsinki. La empatía con la anglo-sri-lankesa también tiene que ver con sus colaboradores, Switch y Diplo (ambos, ex productores de aquélla)… y la misma M.I.A (a quien hizo coros en su visita a México, dentro del MX Beat). En el álbum también producen: Chuck Treece, Freq Nasty, Moonie Pusey de Steel Pulse, entre otros. Pero a ella no le importan las comparaciones: “Me relacionan con M.I.A. porque trabajamos con la misma gente y nos gusta la misma música, pero llevamos esas influencias a lugares distintos”. (LINK)

“Cambiar, cambiar, cambiar/ quiero salir de mi piel”, canta Santi White en “L.E.S. Artistes”, el contundente tema que finalmente la ha convertido en estrella a los 32 años, después de sendas licenciaturas en música y estudios afronorteamericanos, un trabajo como cazatalentos para el sello Epic y dos discos pop-punk al frente del grupo Stiffed, de su natal Filadelfia. Reinstalada en Brooklyn, pasó apenas un año desde que apareció por primera vez bajo el nombre de Santogold en el disco Versus de Mark Ronson –en compañías ilustres como las de Lilly Allen o Amy Winehouse– hasta que vio la luz su ecléctico y contagioso álbum debut. Allí, desde una base de punk y ska, recorre un arco que va del hip hop a la new wave, siempre con un groove pop irresistible que la transforma en algo atrevido y familiar al mismo tiempo.

11 Tha Carter III - Lil Wayne

12 Med Sud I Eyrum Vid Spilum Endalaust - Sigur Rós

13 Only By The Night - Kings of Leon

14 808s & Heartbreak - Kanye West

15 Dig, Lazarus, Dig !!! - Nick Cave And The Bad Seeds

16 The Seldom Seen Kid - Elbow

17 Volume One - She & Him

18 Death Magnetic - Metallica

19 Stay Positive - The Hold Steady

20 Rockferry - Duffy

21 19 - Adele

22 Fucked up - The Chemistry of common life